Содержание урока. Тематические линии урока
​
Театр - это звучащее слово, облаченное в драматургическю форму!

• «Музыка в театре начинается в слове, продолжается в ритме, в мелодии речи. Музыка составляет истинную сущность театрального представления. Можно сказать, если спектакль немузыкален, неритмичен, значит, это плохой спектакль. Музыка нас учит услышать то, что в театральном обиходе называется атмосферой спектакля, то, что воспринимается как внутреннее зерно, как несказанный смысл, то, что заражает, что поселяется в душе, что продолжает расти, расцветать в сознании и в сердце».  Ю. А. Завадский

Музыка в театре является частью театрального искусства, то есть она подчиняется законам спектакля. Отсюда следует, что музыка в спектакле не самоценна, важна ее созвучность с драматическим действием., например, какой-нибудь номер театральной музыки сам по себе не имеет особых музыкальных достоинств, но, написанный для конкретной пьесы, оттеняя игру актеров, производит большое впечатление на зрителя.
Театральная музыка должна быть лаконична, конкретна и сравнительно проста по форме, не нуждается в больших инструментальных массах симфонического оркестра. Существенная особенность театральной музыки: ее воздействие не только на зрителя, но и на творческое состояние актера. Музыка помогает ему сосредоточиться, войти в роль, влияет на творческое воображение.
Музыка часто помогает разобраться в перипетиях сюжета и сложных, запутанных действиях героев. Музыкальное решение спектакля во многом зависит от общей музыкальной культуры режиссера, от того, обладает ли режиссер музыкальным слухом, музыкальной памятью, чувствует ли ритм, умеет ли слушать и понимать музыку, может ли мыслить музыкальными образами. В сочетании с другими средствами она воссоздаёт национальный, исторический и локальный колорит, углубляя характеристики персонажей. Музыка способствует драматической кульминации, подчеркивая переломные моменты в пьесе. В других жанрах произведений она также играет важную роль: в сказочных, фантастических и лирических сценах она подчёркивает всю красоту и полноценность того, что происходит на сцене.

А.П.Бородин. Опера "Князь Игорь". Ария центральная характеристика главного героя. Он охарактеризован как мужественный воин, верный патриот и нежный горячо любящий супруг. Ария построена в трехчастной форме с речитативным вступлением и заключением. Речитатив «Ни сна, ни отдыха измученной душе» вводит в настроение раздумья и мучительной тоски. Основной раздел начинается со слов «И бранной славы пир веселый». Начальная тема идет в маршевом ритме, мужественная, волевая, патетически приподнятая. Середина этого раздела — «Погибло все» — является наиболее драматическим эпизодом и сопровождается остро диссонантными аккордами и бурными раскатами в оркестре, передающими всю глубину душевной боли.
Средний раздел арии «Ты одна, голубка-лада» — это обращение к жене. Мелодия лирическая, проникновенная и теплая, опирается на народно-песенные интонации. Репризный раздел — «О дайте, дайте мне свободу. » — более драматичен, чем первый. Тема стремления к свободе звучит здесь с наибольшей страстностью и воодушевлением.

М.П. Мусоргский. Опера "Хованщина". Песня Марфы "Исходила младёшенька" В опере множество песенных мелодий, близких русскому музыкальному фольклору, цитирует композитор и подлинные народные мелодии это - песня Марфы «Исходила младёшенька». Как женщина из народа, обуреваемая человеческими чувствами, она наделяется мелодикой в народном духе.
\Театральные зрелища возникли в древности (V в. До н.э.). Первые театральные действия включали в себя слово и пение, танец и движение. Музыка и жесты усиливали значение слов, танцы иногда становились самостоятельными номерами. Искусство было синкретичным (от греч. «соединение», единство слова, пения и движения).

Классическая музыка XIX и XX веков обрела высокую идейность, значительность благодаря нерасторжимой связи с жизнью народа, его историей.
Велико эмоциональное воздействие произведений русских композиторов, которым всегда была свойственна любовь к Родине, к народу, при отображении тем государственного строительства, политического объединения или героической борьбы с иноземными поработителями.
      Отечественные композиторы всегда стремились правдиво отразить в своих произведениях исторические события, тяжёлую жизнь русского народа, его мечты и надежды на лучшее будущее. Во второй половине XIX века было создано много произведений на исторические темы, в которых композиторы стремились показать мощь русского народа, подвиг простых людей во имя спасения Отечества.

В XIX веке русская музыкальная культура впервые выдвинула композитора мирового значения. Им стал Михаил Иванович Глинка. Он был современником двух важных исторических событий: Отечественной войны 1812 года и восстания декабристов 1825 г. Рассказы о героизме участников войны с Наполеоном, защитниках родной земли, сыграли большую роль в формировании Глинки как художника и гражданина своего Отечества.
Идея подвига во имя спасения родины увлекала Глинку и привела к созданию национальной оперы «Иван Сусанин». Образ главного героя – патриота своей страны, совершившего бессмертный подвиг во имя свободы своей Родины, – обобщил лучшие черты национального характера.
Произведение Глинки под названием «Патриотическая песнь» в течение 10 лет с 1990 по 2000 гг. являлось государственным гимном России.
    М. И.Глинка. "Иван Сусанин", эпилог, Хор "Славься" - это развернутая сцена, в которой выражается основная идея оперы - величие патриотического подвига русского простого человека и торжество бессмертного народа -"Славься , славься Русь моя!", который весь народ поет уже на Красной площади в Москве, под ликующий звон колоколов. В музыке гениально выражено духовное величие героя. С оперы Глинки началась новая эпоха в русском музыкальном искусстве, определился весь путь развития оперного жанра в России.
​
Русские композиторы-классики считали себя наследниками и продолжателями дела Глинки. В конце 50-х годов XIX века возникло содружество композиторов во главе с Балакиревым, получившее название «Могучая кучка». Свою главную цель композиторы содружества видели в развитии русской национальной музыки. Главной темой их творчества стала жизнь русского народа, образы русских людей разных времен и сословий, раздумья о судьбах родины.
     Н. А. Римский-Корсаков "Сеча при Керженце" из оперы "Сказание о невидимом граде Китеже". Опера-легенда “Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии” Н. Римского-Корсакова воспевает нравственную красоту и мужественную стойкость русского человека перед лицом страшной разрушительной силы татаро-монгольских завоевателей. Народная легенда о граде Китеже раскрывает патриотическую идею, утверждая моральное превосходство русского народа над дикими ордами завоевателей.
Музыкальным эпиграфом к опере можно назвать трагически величавую мелодию исторической песни “Про татарский полон”, которая появляется в сценах вторжения татар и занимает большое место в симфоническом антракте “Сеча при Керженце”. «Сеча при Керженце». Тихий рокот литавр и долгий звук виолончелей и контрабасов настораживают внимание и превращается в непрерывный, словно неумолимо надвигающийся, но пока еще тихий — далекий поток. Возникает ритм скачки — в пиццикато струнных, отрывистых аккордах деревянных инструментов и валторн, в характерной ритмической фигуре альтов. И вновь извиваются зловещие интонации темы татар. Она растет, приближается татарская конница... Но навстречу ей, в том же ритме скачки, поднимается тема китежской дружины — мужественная, решительная, широко распетая. Все больше нагнетается звучность, мощно и ярко звучит русская тема. Но внезапно на фортиссимо вступает новая мелодия — искаженный напев песни «Про татарский полон» (Как за речкою да за Дарьицей...), рисующий грозного врага. Разгорается смертельная схватка. Яростно сплетаются мелодии в бурном противостоянии. Победно наступает тема набега в перекличке духовой и струнной групп и оканчивается мощным аккордом. Все смолкает, лишь одиноко тянется звук соль в низком регистре. Окончена битва. На стихающем, словно уносящемся вдаль ритме скачки, тихо и печально звучит тема песни «Про татарский полон», повествуя о горе народном. Вот уже остаются отдельные краткие и тихие попевки. Аккордом, истаивающим в легчайшем пианиссимо с замирающим рокотом литавр, заканчивается эта уникальная картина.

     История русского балета начинается в эпоху Петра I, когда в России начали активно перенимать европейские культурные традиции. Первые балетные постановки были частью придворных развлечений и носили скорее развлекательный характер. В 1738 году в Санкт-Петербурге была основана Императорская театральная школа (Академия русского балета имени А. Я. Вагановой).  Первая половина XIX века ознаменовалась работой в России французского балетмейстера Шарля Луи Дидло, чьё творчество оказало огромное влияние на становление национальной балетной школы. Благодаря ему балет в России перестал быть просто развлечением для знати и превратился в серьёзное драматическое искусство, способное передавать сложные эмоции через танец.
    Вторая половина XIX века стала золотым веком русского балета, что связано с творческим союзом балетмейстера Мариуса Петипа и композитора Петра Ильича Чайковского. Их совместные работы — «Спящая красавица», «Щелкунчик» и «Лебединое озеро» — не только вошли в сокровищницу мирового искусства, но и совершили настоящую революцию в балетном театре. Музыка в балетах П. И. Чайковского: «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик»,  тесно связана с развитием сценического действия, соединяет танец и пантомиму в единое музыкальное целое. Благодаря яркой, рельефной образности музыка в балетах Чайковского обрела способность очерчивать характер героев и сценические ситуации.
    Чайковский в балете «Лебединое озеро»  в основу сюжета положил немецкую сказку о девушке-лебеде, которую композитор превратил в поэму о верной любви. В балете есть «Русский танец», который стал частью партии Одетты.преобладает лирическое начало, развитие идёт от светлой, элегической лирики к трагическому пафосу, к утверждению идеи преданности, побеждающей силы любви. 
    Чайковский балет «Щелкунчик»-сказка феерия, отражает различные образы и эмоции, связанные с сюжетом балета, и создаёт неповторимую атмосферу сказочности и волшебства. Музыка балета П. И. Чайковского «Щелкунчик» имеет сказочный, позднеромантический характер.
    Чайковский балет «Спящая красавица». Несмотря на то, что балет был создан на основе старинной французской сказки, музыка, написанная Чайковским, в своей лирической составляющей и эмоциональной насыщенности — абсолютно русская. Каждая музыкальная часть является ярким шедевром, развиваясь от сцены к сцене и завершаясь апофеозом торжества любви в форме большого адажио в финале спектакля.

    Сергей Сергеевич Прокофьев — русский композитор,  композитор опер и балетов, которые входят в репертуар лучших оркестров мира. Им написано 7 балетов. 
Балет "Золушка" написан на музыку Сергея Прокофьева в трех актах, шести картинах. Либретто H. Волкова (по сказке Ш. Перро). Премьера состоялась 21 ноября 1945 года в Большом театре.
    «Золушка» — типично классический балет, продолжающий традиции романтического сказочного спектакля, с обилием вариаций, дивертисментом и апофеозами, построенными на вальсах, с колоритными изобразительными моментами. Один из них — «Сцена с часами», где равномерное движение, маршевого характера и повторяющиеся краткие поддевки рисуют неумолимый бег времени. «Отъезд Золушки на бал» — поэтичный, полный очарования вальс. «Большой вальс» — один из самых ярких прокофьевских вальсов, пышный, радостный, с мелодией огромного диапазона. В «Угощении гостей» использован марш из оперы «Любовь к трем апельсинам». Финал акта — «Полночь» — врывается, словно пробуждая от прекрасного сна. Завершает балет еще один прекрасный вальс с тихим, но торжествующим звучанием тем Золушки, ее мечты и любви.
С.С. Прокофьев продолжает и завершает балетную реформу, начатую Чайковским П.И., где хореографический спектакль превращается в театр. Балет становится симфоническим жанром, где важная роль принадлежит оркестру.

     И.Ф.Стравинский балет «Весна священная» воскрешает языческую Русь, ее природу, игрища предков, охваченных инстинктом продолжения рода, подчиненных обрядовому календарному кругу, приносящих жертву ради жизни, ради весеннего обновления земли. Эти «картины языческой Руси» властно утверждают культ природы, ее сил, пробуждающихся с весной. Балет воспроизводит некий ритуал, сюжет в традиционном понимании в нем отсутствует. Своими корнями балет уходит в традиции русской музыки, воспевающей язычество, прежде всего к «Руслану» и «Снегурочке».  Это не торжество света и добра, не гимническое славление Ярилы и его живительных сил. Стравинский показывает обряд, в котором род заклинает обожествляемые силы природы. Композитор насыщает это действо энергией и драматизмом, которые придают «картинам языческой Руси» многозначный смысл, рождают аллюзии с современностью.